Was genau ist Dramaturgie?

von Robert Næss

Viele Menschen assoziieren Dramaturgie in erster Linie mit Film oder Fernsehen und sind sich nicht sicher, was sie eigentlich bedeutet und ob sie für ihr eigenes Buchprojekt relevant ist.

Andere sind dem Begriff in verschiedenen Schreibkursen begegnet, die oft auf einem bestimmten dramaturgischen Modell basieren.

Doch was bedeutet "Dramaturgie" eigentlich? Und wie können Sie als Autor die Dramaturgie nutzen?

Narrative Strategie

Dramaturgie wird oft etwas trocken definiert als die Lehre von der strukturellen und inhaltlichen Konstruktion einer Geschichte.

Aber jeder, der es schon einmal versucht hat, weiß, dass die Analyse einer bereits existierenden Geschichte etwas ganz anderes ist, als sie selbst zu schreiben.

In unserem Zusammenhang sprechen wir lieber von Dramaturgie als von Modellen, Werkzeugen und Techniken, die Sie als Autor nutzen können, um Ihre Geschichte zu bauen.

Bei einer guten Dramaturgie geht es darum, die Handlung so zu strukturieren, dass sich der Leser optimal darauf einlassen kann. Man kann sie als einen Plan betrachten, wie man Spannung erzeugt, Konflikte aufbaut und die Figuren (und den Leser) auf eine emotionale Reise mitnimmt.

Man kann sich die Dramaturgie auch als die Erzählstrategie des Autors vorstellen.

Dramaturgie vs. Komposition

Obwohl das Konzept der Dramaturgie oft mit Genre-Literatur wie Krimi oder Fantasy in Verbindung gebracht wird, wo der Schwerpunkt auf der Handlung liegt, ist die Dramaturgie in den meisten literarischen Genres relevant. Zumindest wenn man unter Dramaturgie versteht, dass alle Texte eine gut durchdachte und effektive Struktur haben müssen.

Wenn Sie jedoch eine Geschichte schreiben, in der es hauptsächlich um Beziehungen und das Innenleben geht und die Handlung nicht so sehr im Vordergrund steht, ist Komposition wahrscheinlich ein wichtigeres Konzept als Dramaturgie.

Denn bei der Komposition geht es darum, wie die verschiedenen Teile eines literarischen Werks zusammengesetzt sind (Perspektive, Metaphern, Tonalität, Satzbau usw.), während sich die Dramaturgie auf die Struktur und Entwicklung der Handlung konzentriert.

Oder mit etwas anderen Worten:

Bei der Dramaturgie geht es um den Inhalt, die Handlung und die Entwicklung der Geschichte (Plot), während es bei der Komposition um die Form geht - wie Sie als Autor die Geschichte erzählen, welche sprachlichen und literarischen Mittel Sie verwenden. 

Die Begriffe überschneiden sich, und für die meisten Autorinnen und Autoren sind diese theoretischen Unterscheidungen wahrscheinlich nicht besonders relevant für ihre praktische Schreibarbeit.

Was ist mit Sachbüchern?

Auch wenn es nicht üblich ist, über Dramaturgie im Zusammenhang mit Sachbüchern zu sprechen, bedeutet das nicht, dass sie weniger wichtig ist.

Wie das Material strukturiert ist, ist entscheidend für eine ansprechende und effektive Kommunikation.

Ein Sachtext, der wie eine Faktensammlung wirkt, kann schnell langweilig werden, auch wenn das Thema selbst spannend ist. Ein Sachtext, der die Geschichte zu diesen Fakten erzählt, wird den Leser eher fesseln.

Ein Ansatz besteht darin, Fragen, auf die der Leser Antworten haben möchte, als aktive Triebkräfte im Text zu verwenden. Natürlich hängt dies von der Art des jeweiligen Sachbuchs ab, aber man kann sich Sachbücher oft als Rätsel vorstellen.

Man stellt ein Problem vor, arbeitet es aus, führt komplizierende Faktoren und Herausforderungen ein, diskutiert, stellt die Dinge auf den Kopf und so weiter, bevor man am Ende die Fäden zusammenführt.

Während es in der Belletristik Protagonisten und Antagonisten gibt, kann man in Sachbüchern oft einige der gleichen Dynamiken durch Argumente und Gegenargumente, Ideen und Kräfte, die aufeinanderprallen, erreichen.

Ein Geschichtsbuch hat dies fast automatisch, und dasselbe gilt für eine Biografie; ein menschliches Leben, das einer Biografie würdig ist, enthält fast garantiert eine Menge innerer und äußerer Konflikte.

Entscheidend ist auch, wie Sie als Autor den Stoff strukturieren und nicht zuletzt den Text und das Thema mit der eigenen Welt des Lesers in Beziehung setzen. Und bei all dem geht es um Dramaturgie.

Keine Vorlage

Als Lektor treffe ich sowohl auf Autor:innen, die in Sachen Dramaturgie "völlig blank" sind, als auch auf Autor:innen, die Kurse besucht oder sich in Bücher vertieft haben, vor allem in solche über Filmdramaturgie.

Robert McKee's "Story", Blake Snyder's "Save the Cat!" und Christopher Vogler's "The Writer's Journey" gehören dazu. Und das ist alles schön und gut.

Ich persönlich habe ein Faible für "The Writer's Journey", auch wenn alle diese Modelle streng genommen recht ähnlich sind - sie verwenden nur leicht unterschiedliche Konzepte. Wie auch immer: Eine der Fallen, in die manche Autoren tappen, besteht darin, sich zu sehr auf die Struktur zu versteifen oder einem bestimmten dramaturgischen Modell zu folgen.

Das Ergebnis ist oft, dass der Autor die Hauptfigur durch einen vorbestimmten Weg treibt, der durch die äußere Handlung vorgegeben ist, anstatt der Handlung zu erlauben, sich organischer zu entfalten. Damit wird das Gegenteil von dem erreicht, was beabsichtigt ist. Die Erzählung wirkt "mechanisch" und wird als flach und vorhersehbar empfunden. Der Leser durchschaut die Konstruktion und sagt voraus, was passieren wird - und das nicht auf eine gute Art.

Und am anderen Ende der Skala: Wenn man völlig frei schreibt, ohne dramaturgischen Plan, läuft man Gefahr, dass die Erzählung unscharf wird oder sich völlig verliert. Vor allem, wenn Sie ein unerfahrener Autor sind. Das kann einen unnötig mühsamen Prozess mit vielen Überarbeitungen bedeuten oder im schlimmsten Fall ein Zurück zum Anfang.

Aber es geht natürlich nicht darum, sich für das eine oder das andere zu entscheiden. Wenn ich einen allgemeinen Ratschlag wagen sollte, dann wäre es dieser:

Probieren Sie ruhig dramaturgische Modelle aus. Aber sklavisch einem bestimmten Modell zu folgen, ist selten eine gute Idee. Man kann dramaturgisch alles "richtig" machen, aber das allein garantiert weder Spannung noch eine gute Geschichte. Das gilt auch für das Schreiben von Literatur, die bestimmten Genrekonventionen folgt.

Der Blick von außen

Wenn man tief in einem Schreibprojekt steckt, an dem man viele Monate, vielleicht sogar Jahre gearbeitet hat, wird man leicht blind für den eigenen Text. Man weiß nicht mehr, was gut oder schlecht ist; Zweifel schleichen sich ein.

Wenn Sie diese Art von "Autorenschwindel" verspüren, ist es vielleicht eine gute Idee, eine Außenperspektive einzunehmen, sei es von einem Redakteur, einem Drehbuchberater oder Testlesern, die mit frischen Augen lesen und Ihnen helfen können, Ihren Text "neu zu kalibrieren".

Vielleicht ist die Struktur für Sie etwas festgefahren, oder sie ist zu vage. Oder das Problem liegt bei den Figuren oder der Idee selbst. Oder - und das ist häufig der Fall - es gibt keine offensichtlichen Mängel, die man erkennen und beheben könnte. Das Buch ist einfach gut. Es "funktioniert", aber ohne viel emotionales Engagement zu erzeugen. Die Geschichte ist recht spannend. Der Humor lässt einen ein wenig schmunzeln. Die Charaktere sind einigermaßen glaubwürdig. Das Ende macht Sinn. Und doch bleibt der Leser ungerührt. Warum ist das so?

Es ist nicht immer einfach zu definieren, was das eigentliche Problem oder die eigentlichen Probleme sind - alles hängt mit allem zusammen. An dieser Stelle kommt der Lektor (oder Drehbuchberater) ins Spiel. Die Aufgabe des Lektors ist es, die Geschichte genau zu analysieren und festzustellen, wo der Schuh drückt - und dem Autor Vorschläge zu machen, was er tun sollte.

Die fünf häufigsten Fehler - aus der Sicht eines Lektors

Auch wenn es kein Patentrezept für eine gute Dramaturgie gibt, so gibt es doch einige allgemeine Grundprinzipien. Ich kann das zwar nicht mit Statistiken belegen, aber hier sind einige der häufigsten Fehler, die mir als Lektor/Drehbuchberater begegnen:

1. Schwacher oder unklarer Konflikt

Wenn eine Geschichte den Leser fesseln soll, ist ein Konflikt entscheidend. Egal, ob es sich um einen äußeren oder einen inneren Konflikt handelt, in der Regel sind beide erforderlich.

Für die Figur(en) muss etwas Wichtiges auf dem Spiel stehen, sie müssen ein Problem zu lösen haben, und wir als Leser müssen verstehen, worin die Herausforderung besteht, sowohl praktisch als auch psychologisch. Es könnte darum gehen, den Krieg zu gewinnen, die wahre Liebe zu finden oder den Gang zum Briefkasten zu wagen. In jedem Fall muss es sich um etwas handeln, das für die Figur schwierig ist - ein echtes Problem.

Wenn eine Geschichte nicht fesselt, liegt das oft daran, dass der Konflikt zu schwach ist, die Figuren nicht genug Widerstand erfahren oder unklare Ziele oder Motivationen haben.

(Natürlich gibt es eine Menge brillanter Bücher, die nur ein Minimum an äußerer Handlung aufweisen und sich hauptsächlich auf Gefühle, Erinnerungen oder Überlegungen konzentrieren. Das bedeutet nicht, dass es ihnen an Konflikten mangelt, sondern dass die Konflikte auf einer inneren Ebene angesiedelt sind).

2. Schnickschnack = Schnarchen

Viele Schriftsteller entwickeln den Drang, sich um ihre Figuren zu kümmern, ihnen Schmerz und Unbehagen zu ersparen. Das ist nicht verwunderlich, denn sie wachsen einem ans Herz, sie sind gewissermaßen wie Kinder. Aber das ist eine schlechte Idee.

Die Aufgabe des Schriftstellers ist es, um es ganz offen zu sagen, ein alttestamentarischer Gott zu sein, ihnen Schmerzen zu bereiten und ihnen Hindernisse in den Weg zu legen. Denn nur dann können sie handeln und verwandelt werden. Und durch das Leiden gewinnen sie die Empathie des Lesers, um in der biblischen Tradition zu bleiben.

3. Passive Hauptfiguren

Ein weiteres, recht häufig auftretendes und damit verbundenes Problem sind passive Hauptfiguren. Charaktere, die nur als Passagiere mit der Geschichte mitschwimmen. Das kann daran liegen, dass es der Figur an Elan mangelt, dass sie "einfach so ist", oder es kann daran liegen, dass die Kräfte, die sie umgeben, überwältigend stark sind.

Eine Frage, die sich oft aufdrängt, ist: Wenn die Hauptfigur nicht für ihr eigenes Schicksal kämpft, warum sollte uns das als Leser interessieren? Verdient die Figur unsere Zeit und unser Mitgefühl? 

Natürlich ist es durchaus möglich, eine gute Geschichte mit einer schwachen und unbeholfenen Hauptfigur zu schreiben, aber das bringt eine Reihe von Herausforderungen mit sich. In jedem Fall muss es sich um eine bewusste Entscheidung des Autors handeln. Der Einsatz von Entscheidungen und Dilemmas ist eine wirksame dramaturgische Technik, um eine aktivere Hauptfigur zu schaffen. Dabei kann es sich um große schicksalhafte Entscheidungen/Wendepunkte handeln, die die Figur wirklich auf die Probe stellen und die Geschichte in eine neue Richtung lenken, oder um kleinere Entscheidungen, die die Werte, Beziehungen, Motive und die Persönlichkeit der Figur hervorheben.

4. Nicht alles einbeziehen

Der französische Filmregisseur Robert Bresson hat einmal gesagt: "Film ist wie das Leben, wenn man die langweiligen Dinge weglässt".

Die Filmerzählung sollte sich auf die interessantesten und dramatischsten Momente im Leben der Figuren konzentrieren. Und so ist es - oder sollte es sein - auch bei der Belletristik in Buchform.

Die Tatsache, dass etwas eine natürliche Handlung oder ein natürliches Ereignis im Leben einer Figur ist, ist an sich noch kein Grund für den Leser, daran teilzunehmen. Wenn es zu viel davon gibt, nimmt es schnell den Sinn des Fortschritts weg. Ja, es ist natürlich möglich, triviale Dinge zu schildern, wenn das ein Sinn an sich ist (Hallo, Knausgård!), zum Beispiel um Langeweile, das sich wiederholende Gezeter des Alltags usw. zu zeigen.

Aber in der Regel sollte sich der Autor Fragen stellen wie: Warum muss der Leser das wissen? Ist es wichtig, um die Handlung oder die Psychologie der Figur zu verstehen? Was passiert, wenn ich es herausnehme?

Obwohl Umständlichkeit eine häufige Schwäche in vielen Buchmanuskripten ist, vor allem in den ersten Entwürfen, ist es in der Regel eine der einfachsten Sachen, die man streichen kann. Schließlich ist die Straffung ein natürlicher Teil des Prozesses.

5. Zeigen, nicht erzählen

Show, don't tell" ist ein Konzept aus der Film- und Fernsehdramaturgie, wird aber zunehmend auch in der Welt der Literatur verwendet. Es geht darum, den Leser in die Szene hineinzuversetzen und eine Erfahrung des Geschehens zu schaffen, anstatt ihm zu erzählen, was passiert.

Anstatt zu schreiben "Kine spürte, dass sie wütend wurde", können Sie dies durch Handlung und Dialog zeigen. Wie drückt Kine ihre Wut aus? Schlägt sie die Schranktüren besonders fest zu? Sagt sie etwas Beleidigendes zu ihrem Chef?

Es geht nicht um ein Entweder-Oder, aber wenn zu viel "erzählt" und zu wenig "gezeigt" wird, entsteht eine Distanz zwischen der Geschichte und dem Leser. Zeigen ist wichtig, um dem Leser Raum für Empathie, Mitschreiben und Interpretation zu lassen.

Dies sind nur einige sehr allgemeine Grundsätze. Die Liste könnte noch länger sein.

Wie bereits erwähnt, gibt es nicht den einen richtigen Weg, Dramaturgie einzusetzen, kein "Einheitsmodell", das Erfolg garantiert. Es geht nur darum, die Werkzeuge zu wählen, die für Sie und Ihr Schreibprojekt am sinnvollsten sind. Das kann Ihr Buch um ein Vielfaches verbessern und auch den Schreibprozess selbst effizienter und angenehmer gestalten.